C’è un posto dove l’artista sei tu, e il tuo cellulare e la tua creatività sono i protagonisti. Nasce You&Nokia Gallery, una galleria virtuale multimediale che racchiude immagini, ma ancora di più storie. Le tue.

La galleria è aperta a tutti coloro che vorranno creare un’opera ispirata alla perfetta alchimia tra una foto del proprio Nokia del cuore, una foto di se stessi scattata durante il periodo di utilizzo del modello scelto e un commento personale sul quel periodo della propria vita.

Quindi: Nokia in data x + tu in data x + commento sul periodo x

E’ facile! Prova subito.

Visivamente ispirata ai musei d’arte contemporanea, la You&Nokia Gallery nasce per valorizzare quel legame speciale tra le persone e lo strumento che permette loro di condividere la propria vita: tutti possono caricare contenuti all’interno della galleria, postandola allo stesso tempo su Facebook, per dare così il via ufficiale alla propria “personale”.

Insomma, il progetto trasuda il claim di Nokia “Connecting People” da tutti i pixel.

Scoprilo qui e partecipa con la tua mobile metà: share your past, create the future.

Ovvero non si vive di solo rock. O non ci si esprime… di solo rock. La mostra racconta espressioni artistiche di musicisti e cantanti rock, diverse dalla musica. Un viaggio nella lirica di dodici cantanti, icone sulla scena rock internazionale: Alan Vega, Andy, Antony (Antony and the Johnsons), Bianca Casady (CocoRosie), Chicks on Speed, Devendra Banhart, Fischerspooner, Kyle Field, Patti Smith, Pete Doherty, The Kills, Herman Dune.

La mostra nasce dal desiderio di far conoscere le opere di personaggi nati artisti prima che rocker. Nelle opere di arte visiva è riconoscibile la lirica, l’impronta tipica della loro produzione musicale. Tra i pezzi più curiosi, i dipinti fatti col sangue di Pete Doherty, le polaroid intime in bianco e nero di Patti Smith, i collage di Antony.

La prima edizione della mostra si è svolta, con grande successo di pubblico e di critica, al Bozar di Bruxelles nel 2008. Come a Bruxelles con un autore belga, anche la mostra alla Triennale a Milano è stata arricchita dalla presenza di un artista italiano, Andy dei Bluvertigo.

Guarda la scheda evento su Nokia Play!
It’s not only Rock’n’Roll, Baby!
A cura di Jérôme Sans
Triennale Bovisa
24 giugno- 26 settembre 2010
La mostra è stata promossa e prodotta dalla Fondazione La Triennale di Milano
con la collaborazione di 2Roads

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L'urlo di Munch

Dove potete trovare “La nascita di Venere” di Botticelli e “L’ultima cena”, “La Libertà che guida il popolo” e “L’urlo” di Munch? Lasciate perdere Louvre, Brera e la Galleria degli Uffizi: stiamo parlando dell’ultimo video di una band franco americana di cui sentiremo molto parlare nei prossimi mesi: gli Hold Your Horses.

Nel video “70 millions”, i componenti del gruppo rappresentano ventiquattro opere d’arte in poco più di tre minuti. Capolavori che appartengono all’immaginario comune, riproposti fedelmente o reinterpretati ma comunque sempre riconoscibili.

Le informazioni sulla band sono poche e frammentarie, sebbene si vocifera che sia in uscita un nuovo singolo. Se volete saperne di più, fate un giro sul loro profilo MySpace.

E, ovviamente, non perdete il video. Provate a indovinare i titoli dei quadri o gli autori: quanti ne conoscete? Qualche suggerimento: ci sono Klimt, Magritte e poi Warhol e Mondrian…

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Nstreet saluta due nuove entrate sui temi di musica e lifestyle.
Shakeitaly, che presenta il suo weekend elettrico-dioramatico, e Polkadot, un nuovo magazine on line collettivo dallo spirito glam.

Già che è qui, ShakeItaly presenta il prossimo evento: le rock band The Electric Diorama, My Last Fall e Adam Kills Eve, che daranno spettacolo il 1° Novembre, alle 21,30, al Viper Theatre di Firenze, per l’ ultima tappa del loro “Yes, Weekend! Tour”, prodotta e promossa da ShakeItaly e l’associazione culturale Le Nozze di Figaro.

Polkadot è un giovane sito-progetto di modern life style, design, arte, musica, dove la regola è il “do it yourself”: questo significa che tutti i collaboratori scelgono gli argomenti di cui parlare, curano l’aspetto grafico delle news, ricercano e citano le fonti a cui attingere.

Nella grafica minimal ma ultra patinata delle sue pagine, brillano delizie di fotografia, cuori grafici, sneakers costose, schermi sensibili, caramelle di design, stickers di strada, oggetti luccicanti, divani USB, erotismi minimal, interni nipponici, spunti che provengono dai collaboratori internauti appassionati.

Non ci sono tool che smistano le notizie, per cui ogni collaboratore può contattare uffici stampa e scegliere tematiche, condividendo  novità e contribuendo al crescere di un progetto condiviso, arricchito con contenuti che non siano solo lʼarticolo ma anche video, file musicali, per una fruizione facile, immediata, emotional.

Assetati di immagini come siamo, saturi di informazioni che appaiono stagliarsi sullo sfondo di omogeneità degli oggetti che popolano le nostre case, Polkadot (il Polka dot è il pattern grafico dei pois, per intenderci) e ShakeItaly portano nuove trame visive e sonore dentro la texture di avventure contemporanee  che vale la pena costruire insieme.

Info:
www.myspace.com/shakeitaly
www.polkadot.it

Cosa succederebbe se l’abitante di un ipotetico mondo bidimensionale entrasse in contatto con un abitante del mondo in 3D?

Cerca di spiegarlo la narrazione collettiva che avrà luogo a FLATLANDIA (dal titolo del racconto fantastico di Edwin A. Abbot), nello spazio di RGB46 in Piazza Santa Maria Liberatrice a Testaccio.

Affrontando il quesito paradossale dal punto di vista della relatività artistica, la rassegna mette a nudo i pregiudizi dello sguardo di fronte alle opere d’arte, facendo sentire lo spettatore un po’ come il quadrato che racconta agli abitanti di Flatlandia come è fatta una sfera.

Se il supporto è piatto, le dimensioni che esso può ospitare sono infinite.

Tra gli artisti che esporranno la loro visione dell’arte more geometrico demonstrata ci sarà anche BOL23rec, conosciutoalla nostra community col nome di BOL23 per le sue opere e per il suo orientamento street.

Leggiamo alcune delle dichiarazioni d’intenti di FLATLANDIA:

FLATLANDIA cercherà di superare la bidimensionalità della superficie per rimandare ad una vasta e variegata quantità di immaginari.
FLATLANDIA è un contenitore/raccoglitore usato oltre il limite di capienza massima.
FLATLANDIA è un’iniziativa open-source nata per creare una zona fertile attorno al mondo della progettazione.
FLATLANDIA è un liquido che modifica la propria superficie sulla base dei concetti che nel tempo vanno aggiungendosi.
FLATLANDIA punta l’attenzione sulle relazioni che si instaurano tra le discipline creative, riunisce diverse figure sullo stesso progetto.
FLATLANDIA è —————————————————————————————————————————
FLATLANDIA è un supporto per spazio ai progetti che parlano ma non vogliono urlare.
FLATLANDIA lavora sulla sinergia che si crea tra i progetti. Crediamo che il valore di un lavoro sia proporzionale alla diversità delle discipline che vi partecipano.
FLATLANDIA pone la molteplicità progettuale come cardine e vuole trasmettere gli attributi formali e concettuali di cui i progetti sono portatori.
FLATLANDIA fa suo un approccio olistico: chiedendo ai collaboratori di considerare sempre il progetto nella sua globalità, prevede di ottenere risultati armonici.
FLATLANDIA chiede a tutti i suoi collaboratori: consapevolezza, rigore, passione, poiché questa è la premessa per lavorare assieme e non dover sempre guardare indietro.

Affascinante, non c’è che dire. Non resta che andare a vedere, sperando di essere, col nostro sguardo di abitanti dello spazio generico, almeno delle sfere che scoprono la quinta o l’ennesima dimensione (la quarta è già conosciuta, ed è il tempo, è il caso di sottolinearlo).

Qui per partecipare.

Cinque Banksy: i due stencil, originali, fotografati alla Andipa Gallery dalla nostra nseeker annabaiocco e i tre upoloadati dalla globetrotter Maddalena82.

Su Nstreet occhieggia cieco e stupito lui, uno dei suoi più famosi interventi urbani, l’inquietante Roadwork Rat che sembra sfuggito a qualche esperimento in laboratorio prenendo possesso dei lavori stradali.

L’altro, Love is in the air (Flower Thrower) è lo spirito (lo spray) di un guerrigliero che lancia un mazzo di fiori.

Non diremo qui le solite cose che si dicono di lui, che sfugge alla fama mantenendo un semi-anonimato surreale (chissà se questo è davvero lui), neanche in un momento in cui imperversa mai stanco il dibattito se la sua – e quella dei suoi imitatori o epigoni – possa essere considerata arte.

L’impressione è che, nonostante i musei più on the edge del mondo gli dedichino continuamente rassegne dopo i suoi blitz notturni in cui ha appeso le sue opere al Met, al Moma, al Museo di scienze naturali e al Museo di Brooklyn, Louvre e alla Tate, a Banksy non importi granché di rientrare nel novero degli artisti (la sua è un misto di sobrietà intellettuale e spudoratezza – disegna in pieno giorno – che sfiora lo snob e sola contraddistingue l’artista vero, quello di genio, quello di rottura.

Banksy rompe le forme dell’arte, le reinventa, quindi parlando di lui non si può non rompere gli schemi concettuali che ci tengono legati alle definizioni, e soprattutto alle poetiche, alle autorialità (date un’occhiata al suo sito ufficiale).

Banksy è Magritte mescolato nel barattolo della salsa Campbell di Warhol, è Fidia squagliato dai cavi elettrici delle città industriali del Sud dell’Inghilterra.

Un’opera di Banksy è fatta del suo talento quanto del muro su cui appoggia. È fatta di campi semantici che si sfiorano, degli occhi che la vedono e del panorama materiale e simbolico che le circonda e che essa contribuisce a modificare.

Usa la storia attuale per produrre cortocircuiti stranianti (Saddam e Bush che si baciano) e riflessioni pacifiste (il simbolo del ritaglio lungo il muro di Gaza).

La sua è un’arte di feedback, che implode inghiottendo le definizioni, un’arte da cui sgorgano in continuazione simboli laceri, usati da una realtà frenetica ma stanca.

I suoi stencil sono il rovescio della pittura, il vuoto, la parte ritagliata, il senso mancante che, pure, produce una supernova di sensi.

Sono segnali stradali che dirottano ogni viaggio, sono quadri che impazziscono e busti classici sparati in testa che depongono la loro resistenza e incontrovertibilità storica.

Banksy, più che il probabile Robert Bank della foto, possiamo immaginarcelo come il bambino che imbratta la scritta che ha fatto Banksy del telefono di una finta ditta che rimuove i graffiti che ha fatto Banksy.

Se sono l’unica speranza di salvare il mondo, come recita il claim del sito da cui occhieggiano con un’espressione tra lo stupito e il terribile, o se invece aveva ragione Dostoevskij nell’attribuire questo ruolo alla bellezza, non lo sappiamo. Certo è che le entità plastiche chiamate Podmork che sono entrare dentro Nstreet ci hanno conquistato.

Il materiale di cui sono composte è la resina, che sembra carne artificiale nelle mani di un creatore che timido che si chiama Hackatao (da Hacker+Tao), nome che designa un Gruppo Artistico formato nel 2007 da Sergio Scalet, Nadia Squarci, Claudia Pegoraro.

La loro missione: “risvegliare le emozioni e le coscienze, e stimolare all’agire creativo, perché ciascuno trovi la sua personalissima chiave di lettura di questo mondo alla deriva, prossimo al compimento della profezia Maya”.

Si autodichiarano toys, che se letteralmente vuol dire giocattoli culturalmente ha assunto altri connotati, grazie soprattutto a quell’industria del piacere meccanico che Gianluca Nicoletti ha definito qualche giorno fa su La Stampa della il “paradiso dell’oggettistica erotica”.

Un toy è un feticcio plastico, un coacervo di rassicurazioni, uno strumento di accesso al mondo dell’immaginazione dentro una realtà asfittica.

La fantasia corre ai sensibili, artificialissimi Pod di carne (da collegare alla bioporta che ogni umano possiede sulla schiena) nel film di Cronenberg eXistenZ.

Ma al contrario del mondo morboso di cui si fanno veicolo i game-pod, i Podmork sembrano provenire da un mondo stralunato, puro, morfologicamente rassicurante ma “strano”, intesamente cromatico. Eppure: “sembrano innocui ma non farti ingannare, ogni Podmork, se propriamente amato può generare una Energia tale da invertire le Sorti di Interi Mondi“.

I toys sono sculturine in resina di circa 4cm d’altezza, creati in 5 character diversi. In tutto sono 500, tutti pezzi unici dipinti a mano, con decorazioni ed espressioni originali. Ciò che differenzia i toys dall’opera d’arte in senso stretto è la loro “portabilità”: i Podmork vivono infatti all’interno di una Podbag, una borsina da portare al collo, nell’elogio dell’arte sincretica, staccabile, portabile, senza piedistalli, in questi giorni che vedono infiammarsi la discussione attorno a cosa sia arte e cosa no.

Anche se la loro natura sexy non è nascosta da un altro progetto sempre di Hackatao, PodSex , stavolta composto da un set di stampe applicata alluminio, resinate, qualcosa di molto acrilico, come nel pop, ma anche molto più inquieto e meno “seriale”.

I Podmork sembrano opere solo nel senso alchimistico del termine: come l’opus, sembrano il risultato di una trasformazione profonda, che apre dentro un mondo in cui le entità morfizzate vivono felici e dense dei loro colori.
Nelle parole di Hackatao, soggetto trino misterioso e riservato:

Le diverse declinazioni fisiche del progetto non sono oggetti fini a se stessi, ma sono strumenti che accompagnano nel cammino verso la consapevolezza. Sono l’archetipo del mentore che istruisce, protegge e accompagna l’eroe nel suo viaggio. E gli fa dei doni: della purezza, della valorizzazione di sé e degli altri, della socialità, della sensibilità verso persone e cose, della curiosità, del piacere della sperimentazione e della scoperta, della capacità di vedere la bellezza nel mondo.

In questi giorni che vedono  accendersi la discussione attorno a cosa è arte e cosa non lo è, le opere che Hachatao ha regalato a Nstreet si autoproclamano oggetti di un’arte, seppure aliena e suggestiva, che mira ad accompagnarci dentro questi tempi desolati, in attesa dell’avverarsi della profezia Maya.

Lo spunto è partito da un fatto di cronaca: tre writers, due tedeschi ed un italiano, sono stati fermati dai carabinieri in azione sui treni delle Ferrovie Nord fermi sui binari che partono da Cadorna, a Milano. I ragazzi rischiano fino a 6 mesi di carcere.

Interessante è constatare come praticamente tutti gli organi di informazione abbiano usato il termine “imbrattare“.
E, ancora più evidente, nessuno ha provato a distinguere tra vandali e street artists.

Davvero non c’è differenza tra lasciare delle tag su un monumento e realizzare dei graffiti su superfici grigie ed anonime? Se c’è una differenza, invece, qual è il limite? Fin dove possono spingersi i writers?

Su una cosa non abbiamo dubbi.
Spesso si tratta di vera arte.

Testimonianze ve ne sono numerosissime su Nstreet.
Come definire altrimenti le opere di Banksy (grazie annabaiocco)?

O, ancora, il murale filmato da Cris@ns realizzato dal gruppo di writers «Monkeys evolution» dedicato ai sette operai morti nel rogo della ThyssenKrupp?

C’è chi, come Graffiti Hunter (di cui abbiamo parlato pochi giorni fa), ha fatto della valorizzazione della street art una vera e propria missione: “io porto la mia performance nella casa della gente… fino ad ora ho contattato piu’ di 25.000 persone”.

La street art è in movimento. E’ sperimentazione.
Cosa ne pensate, ad esempio, di “LIGHT TAG” sperimentazione di un nuovo fluido per creare tag luminose segnalatoci dal mitico collettivo Satoboy?

Il BOVA IMAGES FESTIVAL 1st Edition, Festival Internazionale delle Nuove Immagini è un nuovo progetto organizzato dall’Associazione Culturale “ALTREMENTI”  di Reggio Calabria dal 24 al 26 Luglio.

Il festival nasce dalla volontà di ricercare e presentare a livello internazionale i linguaggi artistici digitali più innovativi all’interno del panorama dei formati visivi underground: fotografia, elaborazioni digitali, animazione, videoarte, cortometraggi, video musicali e tutte le opere che fanno parte del nuovo “dominio digitale“.

Il trailer che vedete oggi in Primo Piano su Nstreet ve l’abbiamo anticipato qualche giorno fa, facendolo comparire in sordina e per pochi minuti sul playerone centrale o in evidenza, tanto per rompere il segnale monotono delle alternanze video.

La descrizione di quei mattacchioni di Ziguline suonava sibillina: E’ inutile che vi affannate, il futuro passa dalla provincia, magari dai vicoli diroccati di piccoli borghi del meridione d’Italia, dove nessuno mai si aspetterebbe di trovare un festival come il BIF (BOVA IMAGES FESTIVAL, o Festival Internazionale delle nuove immagini).

La difficoltà di segnale all’inizio del filmato è dunque da intendersi come un espediente estetico per creare della suspence? Anche, ma soprattutto è il codice che indica la volontà di una sintonizzazione, sulle onde del nuovo in questo caso, ed ora ci siamo.

Il video è di quelli di Ziguline, come noi “gustoso concentrato di esperienze” e media partner dell’evento, e dà un’idea di una mappa aggiornata e fresca delle nuove tendenze e delle attività artistiche indipendenti, marginali e sperimentali.

Il programma, spiegato (anzi spremuto) da Giacomo Triglia, direttore artistico del Bova Image Festival, in un’intervista rilasciata a Ziguline, si articola in questo modo: inaugurazione il 24 luglio alle ore 21.00, discorso di presentazione al pubblico alla presenza di autorità e artisti, super-mega-rinfresco-calabrese e primo live concert + djset nel cortile interno del Palazzo: Shirt vs T-Shirt (Partyzan Prod). Apertura Festival giorni 25 e 26 dalle ore 18.00 alle ore “ad oltranza”; live concert seconda serata: John Merrick + djset Shirt vs T-Shirt; live concerts serata finale: Kyle + Appleyard College + djset Shirt vs T-Shirt.

BOVA IMAGES FESTIVAL si terrrà dentro il borgo di BOVA (Chora tu Vua in Grecanico), in provincia di Reggio Calabria, definito tra “I Borghi più Belli d’Itali”’ all’interno del Libro Rosso Unesco.

La scelta della location per un evento che accoglie il meglio delle emergenze culturali nel campo del digitale non è di certo casuale: l’antico e lo sconosciuto producono accostandosi uno spostamento, una scintilla semantica, sicuramente affascinante, ma anche ironica (almeno nel senso artistico del termine).

Tutto è così specchio e interfaccia dell’esperienza culturale-digitale.

Chissà come appariranno le nuove immagini, nude e innocenti nella loro spregiudicata bellezza e offerte all’occhio che le succhia. Non resta che andare a vedere.

Questo dialogo si è svolto tra me e la ragazzina di 16 anni a cui do ripetizioni di latino. Oltre ad avermi fatto sentire improvvisamente anziana, ciò mi ha dato anche il motivo per intraprendere un percorso di aggiornamento sui cambiamenti che hanno investito, negli ultimi anni, il concetto di cool.

Non che non ci siano cose più importanti su cui aggiornarsi, e non che sfugga a nessuno che quella di “cool” è (anche) una categoria inventata dal marketing per giustificare l’esistenza dei cool hunter, ma è in ogni caso preferibile non essere colti impreperati durante la prossima apericena (…) o la prossima versione di Cicerone.

Ho anche chiesto all’Nstreeter che più di ogni altro conosce la materia cosa volesse dire oggi vivere cool: emanueledangelo, curatore e ideatore del sito linvin cool, dice:

Tentare di interpretare il nostro blog è alquanto impegnativo poichè non esiste una definizione precisa del termine “cool” nell’uso comune italiano. Vivere Cool, appunto è un concetto del tutto astratto che tende ad esprimere a nostro giudizio l’attitudine a vivere al passo coi tempi o in alcuni casi la ricerca spasmodica di anticipare e di vincere il tempo stesso.

L’esprimersi in arti come la moda, il design, la musica, la fotografia e quant’altro possa risultare arte, ci aiuta a mostrare noi stessi nella vita di ogni giorno, ed è proprio uno degli obiettivi del nostro sito quello di divulgare le nostri passioni in queste materie cosicchè tutti i lettori possano giornalmente aggiornarsi su tutte le novità che proporremo. Tutto il lavoro è frutto delle nostre passioni, del nostro tempo e della nostra ricerca nel tentativo di informare tutti coloro che amano come noi vivere cool.

Voglio capire meglio. Dai miei studi, schematizzando, emerge questo:

Anni ’90: cool = giusto, che detta legge.
Erano cool: la Britannia, ascoltare il jazz con il walkman, leggere in metropolitana, fare l’aperitivo alle 19, comprare Wired, Ibiza, prendere in giro i nerd, No logo, entrare nei locali costosi perché si conosce il pr, partecipare ai concerti dei gruppi grunge vestiti bene, il Pc, Pulp Fiction, disprezzare il trash, andare ai vernissage, il finger food, La Rinascente, i ristoranti biologici, farsi oscurare i vetri dell’auto, avere l’aria condizionata e accenderla.

Anni ’00: cool= fico.
Era cool: leggere il Financial Times, No global, entrare nei locali snobbando i pr, comparire su Wired, global, essere Nerd, Sex in the City, Be cool, i Build-it-yourself custom software, i notebooks, il sushi, le enoteche-cioccolaterie, gli outlet e discount, il Messico, il trash, non avere l’aria condizionata.

2009: cool = sprezzatura e coscienza (leggi “What is sprezzatura?”).
È cool: essere Geek, Star Wars, +global, She does the city, Web-based applications, essere abbonati a Wired Italia, La Lettonia, i film di Miyazaki, Life is Cool, gli Smartphones, il kebab, i mercatini, gli orti urbani, compatire e rivalutare con fare snob il trash, le fraschette, leggere tutti i quotidiani del mondo su Ipse, Saviano, avere l’aria condizionata e non accenderla.

L’elenco neanche a dirlo è aperto e potenzialmente infinito.

Tanto per sottolineare come questo sia tutto fuorché superficiale, legato com’è alla cultura delle pratiche simboliche messe in atto dagli individui nelle diverse epoche, Robert Farris Thompson, professore di Storia dell’arte alla Yale University, ci ricorda che che l’Itutu, che lui traduce come “mystic coolness”, è uno dei 3 pilastri della filosofia religiosa creata nel 15° secolo dalla popolazioni degli Yoruba e dall’Igbo.

Cool, in quel contesto, comprende l’idea di un comportamento elegante, conciliante e gentile, e ha a che vedere con l’abilità di rifiutare lo scontro e le dispute, il tutto non disgiunto da un’idea di bellezza e grazia fisiche.

Se, come diceva Lyotard, delle grandi narrazioni non si avverte più il bisogno, e se la crisi ha messo l’Occidente di fronte alla sua follia monetaria e consumistica, è il caso di guardare con un’altra ottica tendenze e mode, senza idolatrarle ma anche senza ignorarle: in fondo, come dimostra il  trionfo dei contenuti e delle narrazioni Web, non c’è forse niente di più pervasivo della cultura sottile.